Quelle belle initiative de la part de Tamasa, toujours aussi pertinent dans ses choix éditoriaux, d’exhumer quatre œuvres de Julien Duvivier avec son acteur fétiche, Harry Baur, ancrées dans une période charnière de l’histoire du cinéma : le début du parlant. À travers David Golder, Les 5 Gentlemen maudits, Poil de carotte et La Tête d’un homme se dessine le portrait d’un cinéaste pessimiste et misanthrope, traçant les destins de personnages tourmentés dans un style qui frappe par sa modernité et son audace. Dans cet univers désenchanté, Harry Baur, dont la notoriété reposait davantage sur le théâtre que sur ses apparitions dans le cinéma muet, impose sa présence physique impressionnante, sa gestuelle lourde et son phrasé limpide et unique. Les quatre films proposés dans des versions restaurées reflètent l’éclectisme d’un grand cinéaste populaire qui parvenait, quel que soit le genre abordé, à transmettre sa vision peu reluisante du monde, dominé par le pouvoir, l’argent et la trahison.

David Golder (1931)

Premier pas dans le cinéma parlant, après Au bonheur des dames, qui proposait une version sonorisée, David Golder, adaptation d’un roman à succès d’Irène Némirovsky publié en 1929, marque également la première collaboration du cinéaste avec l’immense Harry Baur, figure importante de la scène théâtrale, qui vampirise l’écran, au point d’éclipser tous ses partenaires au jeu nettement plus faible. Dès les premières images, Julien Duvivier entend s’imposer comme un formaliste, mêlant techniques avant-gardistes issues du muet et textures sonores expérimentales. Il marque son territoire, affirmant que, contrairement à bon nombre de cinéastes de l’époque, le théâtre filmé, ce n’est pas pour lui, bien que sa promesse ne soit pas tenue jusqu’au bout, passée cette introduction sidérante d’inventivité. Pour autant, malgré les unités de lieu et l’absence d’extérieurs en décors naturels, il parvient à s’affranchir d’un dispositif scénique un peu raide par des audaces de mise en scène peu courante au début des années 30. Pourtant, le sujet s’y prête. David Golder, financier d’origine juive (vaguement évoquée dans le film, contrairement au roman), s’est élevé au sommet de la réussite sociale à force de travail, de calculs financiers et de sacrifices. Pour autant, il n’est pas heureux, conscient que son statut ne lui apporte aucune sérénité. Ses rapports humains sont des poisons. Sa femme le méprise et le trompe, sa fille, qu’il chérit par-dessus tout, n’est préoccupée que par le luxe et l’argent, et il n’a pas d’amis. Dans sa tour de verre, muré dans sa solitude, il se rend compte, à l’approche de la mort, que la fortune n’a jamais pu combler un vide intérieur…

Copyright Tamasa

La noirceur écrasante de ce portrait sans concession se trouve amoindrie dans un dernier tiers où David Golder devient une figure tragique et émouvante, atténuant la misanthropie glaçante du film. Il est à la fois victime et bourreau, responsable d’un univers qu’il a bâti et qui va le mener à sa perte. Dans cette atmosphère oppressante, il s’oppose à des personnages vils, pervers, arrivistes, bien pires que lui. Les personnages féminins, et c’est un problème, sont épouvantables, traduisant la misogynie du film, intensifiée de façon sans doute involontaire par le jeu catastrophique des actrices, surtout Jackie Monnier, exécrable dans le rôle de la fille de Golder. Les autres comédiens ne sont pas très performants non plus, écrasés par le génie d’Harry Baur qui, à lui seul, porte le métrage de la première à la dernière image. Il est particulièrement mis en valeur grâce à des dialogues brillants, secs, incisifs et une réalisation audacieuse, s’appuyant sur des mouvements de caméra rares pour l’époque et un découpage précis mettant en valeur des décors intérieurs impressionnants. Près d’un siècle après sa sortie, David Golder étonne par ses multiples qualités plastiques et son approche moderne d’un sujet intemporel, malgré ses défauts et une rédemption finale trop appuyée pour convaincre.

Les 5 Gentlemen maudits (1931)

Changement d’ambiance pour le métrage suivant, tourné dans la foulée, preuve irréfutable de l’éclectisme du cinéaste et surtout de sa capacité à remettre tout à plat, quitte à désarçonner le public. Si David Golder, malgré son inventivité formelle, demeure un pur film de studio avec des intérieurs très travaillés, Les 5 Gentlemen maudits prend des chemins de traverse et vogue vers un naturalisme surprenant et avant-gardiste, préfigurant même — à son corps défendant — la Nouvelle Vague, qui ne sera pourtant jamais tendre avec Julien Duvivier, conspué souvent pour des raisons discutables. Ce qui étonne le plus vient de la nature même d’un sujet fantaisiste, voire artificiel, se confrontant à un réel tangible, dans un style quasi documentaire. En effet, Les 5 Gentlemen maudits s’aventure vers le whodunit, teinté de fantastique et de comédie sophistiquée. Duvivier a imaginé une histoire de fatalité et de superstition, qui anticipe d’une certaine manière son excellent film à sketches, réalisé douze ans plus tard, Obsessions, qui abordait déjà le thème de la prémonition. Dès les premières images, nous sommes plongés dans un univers néocolonial, au Maroc, dans la ville de Moulay-Idriss. Au cours d’une fête locale, cinq hommes, qui se sont liés d’amitié sur un bateau, sont pris à partie par un sorcier qui leur prédit une terrible malédiction : ils mourront tous dans un ordre précis avant la prochaine nouvelle lune. Les cinq camarades, jusque-là insouciants, commencent à regarder le monde différemment. Cette mise en place classique, qui rappelle certains romans d’Agatha Christie ou des films comme Le Dernier des Six, est constamment parasitée par des pas de côté et des ruptures de ton, pointant au final le désintérêt du cinéaste pour son intrigue, prétexte à décrire le quotidien des autochtones et à filmer des extérieurs d’une étrange beauté.

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Si cette œuvre exploite certains clichés du cinéma colonial, il n’en reste pas moins très ironique vis-à-vis des Occidentaux oisifs et insouciants, totalement indifférents à la population locale qui les entoure. Il faut qu’on leur annonce leur propre mort pour qu’ils prennent conscience de ce qui se passe autour d’eux. On reconnaît là le scepticisme et la misanthropie d’un cinéaste qui oppose deux mondes incompatibles. Duvivier se montre très critique vis-à-vis de ses compatriotes, au détour de dialogues cinglants et ironiques, dénonçant à plusieurs reprises leur paresse et leur égoïsme. Passée cette étude de caractère, très courante chez l’auteur de Panique, Les 5 Gentlemen maudits détonne surtout par son approche néoréaliste, délaissant souvent les décors intérieurs pour une exploration d’un environnement naturel fascinant. La caméra indiscrète vole des plans pris sur le vif, comme dans un documentaire ethnographique, pouvant préfigurer le « mondo ». Le folklore local, avec ses actes de sorcellerie, ses sacrifices d’animaux et ses transes musicales, est très habilement intégré, sous forme de stock-shots, à la mécanique narrative, dans laquelle on ne comprend pas toujours ce que disent les comédiens, hormis bien sûr l’extraordinaire Harry Baur, quelque peu en retrait ici. Ce regard digressif apporte une modernité à cette comédie policière, à l’intrigue ingénieuse, peuplée de faux-semblants et de retournements de situation, jusqu’à sa révélation finale surprenante. Les 5 Gentlemen maudits s’avère un curieux produit exotique et hybride, un divertissement léger et populaire, croisement improbable entre Jean Rouch et Tintin, Hitchcock et le documentaire à sensations. Un bien étrange film.

Poil de carotte (1932) 

Julien Duvivier adapte pour la deuxième fois Poil de carotte de Jules Renard, après une version muette de 1925. Il envisagea même une troisième adaptation en couleur pendant sa période américaine, mais le projet ne verra jamais le jour. Duvivier le considérait d’ailleurs comme son film préféré. Cet attachement viscéral est peut-être à chercher du côté d’éléments biographiques du réalisateur. Pour Duvivier, cette histoire demeure la plus bouleversante jamais écrite. Cette chronique de l’enfance contrariée a une portée universelle indéniable et fait même office de modèle avoué ou non pour quelques classiques à venir comme Le Garçon aux cheveux verts, L’Incompris ou Les 400 Coups. Portrait sans concession d’un petit garçon malheureux, maltraité par sa mère et ignoré par son père, le film n’est cependant jamais larmoyant. Poil de carotte, ainsi que le surnomme tout le monde, porte en lui toute la souffrance du monde, à travers son regard impitoyable sur la famille, au point de songer à l’irréparable. On voit très bien ce qui intéresse Julien Duvivier dans ce mélodrame déchirant et sombre, rattrapé in extremis par une rédemption inévitable. Il peut exprimer pleinement sa vision désenchantée des hommes tout en faisant preuve d’une humanité bouleversante vis-à-vis des rejetés du système. Le paradoxe chez Duvivier est bien là. Comme un ours mal léché, il peut déverser une haine parfois excessive envers ses semblables, mais elle sera toujours rachetée par un regard compatissant envers les plus faibles et les marginaux. Poil de carotte, c’est autant Antoine Doinel que Carrie White, ces êtres frêles qui ont du mal à trouver une place dans leur environnement.

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Julien Duvivier, moins agressif que d’habitude, ne force pas le trait, décline son récit avec une limpidité étonnante, ne tombant jamais dans le piège d’un cinéma démonstratif et lacrymal. Il s’agit avant tout d’un drame rural tragi-comique, peuplé de personnages pittoresques et de situations où l’on passe du rire à l’émotion. La distance du cinéaste passe par sa mise en scène, qui ne se contente pas d’illustrer le très beau roman de Jules Renard, mais cherche au contraire à le mettre en images de la manière la plus inventive qui soit, grâce à une caméra très mobile, un soin méticuleux apporté au cadre et une très belle photographie rendant justice aux paysages naturels d’une campagne française, jamais sublimée mais prise pour ce qu’elle est. On peut tiquer aujourd’hui sur le personnage de la mère, traité avec beaucoup de mépris et qui reflète par instants une misogynie plus maladroite que réelle, au point de se demander si le cinéaste n’a pas effectivement des comptes à régler avec sa propre mère. Elle est tellement odieuse et caricaturale qu’elle jure un peu au cœur de ce film assez délicat et sensible. Elle incarne une antagoniste qui ne sera d’ailleurs nullement rachetée. Ce portrait peu flatteur de la figure maternelle est au centre du livre de l’écrivain. Ce n’est pas Duvivier qui l’a inventé, mais un peu de nuance n’aurait pas fait de mal à ce très beau film, porté par une interprétation de grande qualité, que ce soit celle de Harry Baur ou de Robert Lynen, comédien fusillé par les Allemands en 1944 alors qu’il n’avait que 23 ans. Même si son jeu n’est pas réaliste, il incarne un Poil de carotte irrésistible, vivant, drôle et triste.

La Tête d’un homme (1933) 

Quatrième et dernier opus du coffret, La Tête d’un homme est la troisième adaptation au cinéma parlant d’un roman de Georges Simenon en l’espace d’un an, après Le Chien jaune de Jean Tarride et La Nuit du carrefour de Jean Renoir, tous deux réalisés en 1932. Déçu par les précédentes adaptations, Simenon avait envisagé de réaliser lui-même le film, avant que le projet ne soit finalement confié à Duvivier, qui propose ainsi à Harry Baur d’endosser le rôle du commissaire Maigret. Le cinéaste prend des libertés intéressantes avec le livre en déconstruisant l’intrigue, quitte à décevoir les amateurs d’enquêtes policières et le romancier lui-même, soit dit en passant. En effet, le scénario dévoile dès les premières minutes l’identité du meurtrier, déplaçant ainsi les enjeux et transformant un simple whodunit en une œuvre profondément pessimiste qui explore les fêlures l’âme humaine. Il anticipe une mécanique narrative où le suspense naît moins de l’identité du coupable que de ses motivations et de son profil psychologique. Le film dresse un portrait fascinant d’un criminel atypique dans le cadre du cinéma français, un sociopathe à l’intelligence supérieure, animée par une fascination morbide pour le meurtre. L’idée du crime parfait, qui reviendra régulièrement au cinéma, notamment dans La Corde d’Hitchcock, est au cœur même de l’intrigue. Un jeune homme désargenté, Willy Ferrière, souhaite se débarrasser de sa riche tante pour toucher son héritage. Sa proposition, lancée dans un café, est prise au sérieux par un mystérieux individu, Radek, qui exécute le meurtre en faisant porter les soupçons sur Joseph Heurtin, un homme simple d’esprit. Chargé de l’affaire, Maigret refuse de se satisfaire des preuves accablantes réunies contre le malheureux et entreprend de remonter jusqu’au véritable assassin.

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En fait, dès que Maigret croise le regard de Radek, tel un Columbo avant l’heure, il est persuadé de sa culpabilité. Un jeu du chat et de la souris s’installe alors, ralentissant sciemment le rythme du film, très vif durant les trente premières minutes. Cet effet de surplace permet à Duvivier d’installer une atmosphère pesante et ambiguë à travers la confrontation entre le commissaire et Radek, étrange individu d’origine slave. Il serait facile d’en déduire que le film porte en lui une idéologie xénophobe, la menace étant liée à l’étranger, mais pour Duvivier, il s’agit de dessiner avant tout la figure tragique d’un assassin sorti d’un roman de Dostoïevski. Cet étudiant en médecine maladif et nihiliste trouve en Maigret un adversaire à sa hauteur, au point de dévoiler son mode de fonctionnement et sa vision du monde à travers leurs affrontements. Il ne cherche pas vraiment à échapper à la police, mais à être reconnu comme un esprit machiavélique défiant l’ordre établi. Très conscient de l’ego surdimensionné de son suspect, Maigret, impassible, attend patiemment que Radek se dévoile, car son pire ennemi n’est autre que lui-même. Duvivier signe une passionnante étude de caractère d’un cerveau malade. Sa fascination pour Radek, formidablement incarné par Valéry Inkijinoff, se fait au détriment d’un récit policier au dénouement convenu. La désinvolture de la narration permet surtout d’apprécier la qualité de l’interprétation et l’inventivité constante d’une mise en scène se permettant, comme dans Les 5 Gentlemen maudits, des pas de côté déroutants. Ces ruptures de ton, que certains pourraient considérer comme des défauts apparents, révèlent au contraire une volonté de s’affranchir de la rigueur narrative du film policier traditionnel. Deux moments sont particulièrement frappants. Le premier, lorsque les policiers interrogent des commerçants, repose sur des incrustations grossières, juxtaposant dans un même cadre des personnages manifestement filmés séparément, avec des différences de netteté qui rendent le trucage optique délicieusement artificiel. Le deuxième se situe au moment de l’évasion du pauvre Heurtin, qui, entre une postsynchronisation décalée et une série de plans sur des monuments parisiens, crée une sorte de licence poétique, de dissonance savoureuse entre le son et l’image. Malgré une réelle baisse d’intensité dans sa deuxième partie, La Tête d’un homme garde du muet ses influences expressionnistes, notamment à travers sa magnifique photographie tout en contrastes entre la pénombre et la lumière et sa manière de capter les visages, notamment celui, inquiétant, de Radek.  Après David Golder, Julien Duvivier pousse plus loin la logique de confrontation psychologique, souligné par une écriture incisive et ne maîtrise formelle impressionnante. Une singularité que les accusations d’académisme, souvent adressées au cinéaste, auront tendance à occulter, alors qu’il est en train préfigurer (avec d’autres cinéastes) le réalisme poétique.

Les 4 films issus du coffret en combo Blu-Ray/dvd édités par Tamasa ont été restaurés par Hiventy et ont bénéficier d’une sortie salle en février 2025. Chaque film est accompagné d’un passionnant entretien avec Noël Herpe,  cinéaste, historien du cinéma et critique, spécialiste du cinéma français des années 30.

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